Wenn das Gesicht auch zu einem Wort wird

Das Gesicht scheint mit sehr wenigen Zeichen gezeichnet zu sein. Ein rundes Auge, ein Strich und eine Kurve genügen, um der Figur in Tod und Feuer eine Präsenz zu geben. Diese Sparsamkeit erzeugt kein Gefühl der Ruhe. Die dunklen Formen treffen auf leuchtende Flächen, und das Gemälde scheint in der Spannung dieser Begegnungen zu bestehen. Paul Klee stellt uns vor etwas, das man als Kopf betrachten und dann als grafisches Gefüge neu lesen kann. Die Figur bleibt erkennbar, ohne sich auf eine einzige dieser Erfahrungen reduzieren zu lassen.

Das Werk von 1940 gehört zur Gruppe von Klees letzten Gemälden. Das Zentrum Paul Klee erinnert daran, dass der Maler am 29. Juni dieses Jahres stirbt, und ordnet seine späten Arbeiten in die Zeit nach dem Auftreten der Krankheit Mitte der 1930er-Jahre ein. Dieser Kontext erhellt eine Veränderung der Mittel, darf aber nicht für jeden Strich eine automatische Erklärung liefern. Eine breite Geste behält den Wert einer künstlerischen Entscheidung. Das Gemälde verdient es, als Komposition erfahren zu werden, während wir zugleich die konkreten Bedingungen im Gedächtnis behalten, unter denen sie entstand.

Eine Besonderheit lädt dazu ein, zwischen Betrachten und Lesen zu wechseln. In den Gesichtszügen können die Buchstaben des deutschen Wortes Tod erscheinen: ein T, ein o und ein umgekehrtes d. Das Museum schlägt diese Beobachtung in seinem Führer vor. Ein einzelner Buchstabe ähnelt einer Form; zusammen mit anderen wird er zum Wort; in ein Gesicht integriert, beteiligt er sich erneut an einem Bild. Klee entscheidet sich nicht zwischen diesen Funktionen. Er lässt sie nebeneinander bestehen, sodass dasselbe Zeichen seine Rolle ändern kann, ohne seinen Platz zu verändern.

Dieses Nebeneinander verlangsamt die Identifikation. Hat man das Wort einmal erkannt, ist es schwer zu vergessen, doch der Kopf verschwindet deswegen nicht. Wir sehen weiterhin ein Auge, einen Mund oder einen Umriss. Das Gemälde wird damit zu einem kleinen Wahrnehmungsereignis: Was wir lesen können, verändert, was wir zu sehen glauben. Das bedeutet nicht, dass ein vollständiges Geheimnis entdeckt worden ist. Das Wort macht eine Dimension des Werkes ausdrücklicher, während Farben, Grössenverhältnisse und Beziehungen zwischen den Figuren ihre eigenen Wirkungsmöglichkeiten behalten.

Der Bildträger fügt einen spürbaren Widerstand hinzu. Das Zentrum Paul Klee hebt die grobe Jute in diesem Gemälde hervor. Dieses Material bietet keine vollkommen neutrale Oberfläche, und es ist verständlich, weshalb man sich dem Gegenstand nähern sollte, statt bei einer kleinen Reproduktion zu bleiben. Das Gewebe hat sein Relief, seine Zwischenräume und seine Art, die gemalten Partien aufzunehmen. Die Zeichen wirken sehr direkt, doch diese Direktheit entsteht auch aus ihrer Begegnung mit einem Material. Ein Gemälde kann reduziert erscheinen und dennoch eine besonders dichte materielle Beziehung eingehen.

Die Frage des Selbstporträts bleibt eine Hypothese. Der Museumsführer spricht davon als Möglichkeit, und diese Grenze sollte bewahrt werden. Es wäre übertrieben, den Kopf als identifiziertes Bild Klees darzustellen oder eine letzte im Atelier ausgesprochene Absicht zu erfinden. Der Besucher kann eine Nähe zwischen dem Werk und dem Lebensende des Künstlers empfinden, ohne Gefühl mit Beweis zu verwechseln. Diese Unterscheidung schwächt die Begegnung nicht; sie lässt dem Gemälde die Kraft, mehr anzudeuten, als sich in einer dokumentarischen Akte nachweisen lässt.

Der Titel verbindet den Tod mit Feuer, doch das Bild ist keine realistische Beschreibung eines Brandes. Wir können die Wärme der Farben, ihre Nähe zu dunklen Bereichen und die Heftigkeit mancher Trennungen empfinden. Wir müssen diese Empfindungen nicht in eine erzählte Episode verwandeln. Das Gemälde lässt zwei Wörter mit malerischen Mitteln wirken. Es gibt dem Besucher eine Erfahrung, in der ein grosser Begriff den kleinen Massstab eines Zeichens erreicht, in der etwas Unermessliches in einem Strich und einer Kurve Platz findet, die einfach genug sind, um im Gedächtnis zu bleiben.

Bei der Rückkehr zum Gesicht versteht man, dass das Lesen nicht zu einem Abschluss führt. Das Wort Tod ist vorhanden, doch das Werk verschiebt die Aufmerksamkeit weiterhin zwischen Zeichen und Farben. Es bietet keine Antwort darauf, was Klee für uns hätte denken wollen. Es gibt uns Mittel, eine schwierige Frage zu betrachten, ohne sie so abstrakt werden zu lassen, dass sie verloren geht. Tod und Feuer bewahrt damit eine doppelte Präsenz: Das Ende lässt sich darin benennen, während die Arbeit der Formen vor uns weiterhin aktiv, genau und offen bleibt.