Das Fenster hinter einer Rückenfigur

Zuerst sehen wir einen Rücken. Die von Füssli dargestellte Frau sitzt schräg, einen Arm nach rechts ausgestreckt, die andere Hand auf den Sitz gelegt. Das Gesicht bleibt weitgehend ausserhalb unserer Reichweite. Diese Stellung schafft eine ungewöhnliche Beziehung: Die Figur nimmt fast den ganzen Raum ein und wirkt sehr nah, behält aber für sich, was sie betrachtet. Das im Titel angekündigte Fenster wird so zu einer Richtung statt zu einer Landschaft, die dem Betrachter angeboten wird.

Das Blatt in der National Gallery of Art stammt von 1802. Das Museum beschreibt es als Lithografie mit Feder und lithografischer Tusche. Es gehört zum Werkkomplex Specimens of Polyautography. Man muss es daher als gedrucktes Bild betrachten, auch wenn die Striche etwas von der Lebendigkeit einer Zeichnung bewahren. Die Arbeit des Künstlers nimmt eine verbreitbare Form an, und die Darstellung einer verdichteten Szene wird Teil eines umfassenderen technischen Experiments.

Betrachtung des Werks — Hals und oberer Rücken bilden eine helle Zone inmitten der Stoffe. Die Frisur versammelt das Haar zu einer präzisen Masse. Ringsum vervielfachen Ärmel, Vorhang und Kissen die Spuren und Muster. Das Kleid entfaltet sich breit im unteren Bildteil. Diese Fülle bedeckt die Figur nicht vollständig: Sie macht vielmehr messbar, wie ihr Körper sich dreht und in einem Innenraum abstützt.

Der ausgestreckte Arm bildet eine fast waagrechte Linie, während die Bewegung der Kleidung diagonal abfällt. Der Betrachter kann nacheinander beiden Richtungen folgen. Die eine führt zum rechten Rand und zur Öffnung; die andere kehrt zum Sitz und zur gedruckten Oberfläche zurück. Die Haltung organisiert so ein Hin und Her zwischen einem kaum zugänglichen Aussen und einem sehr gegenwärtigen Innen. Man muss keine Geschichte kennen, um diese Teilung der Aufmerksamkeit zu spüren.

Die schwarzen Striche erfüllen mehrere Funktionen. Eine enge Linienfolge erzeugt Schatten; einige gekreuzte Marken geben eine Textur; ein stärker isolierter Umriss bestimmt eine Hand oder eine Falte. Das Weiss des Papiers bleibt zwischen diesen Eingriffen aktiv. Das Bild beruht auf diesem Wechsel von Dichte und Aussparung. Rasch betrachtet kann es beschreibend wirken. Aus der Nähe zeigt es einen Aufbau, in dem Stoffdicke und Körperausrichtung auf Unterschieden des Rhythmus beruhen.

Das Fenster lädt leicht zu einer psychologischen Deutung ein. Wartet sie auf jemanden? Zieht sie sich aus einem Gespräch zurück? Das Dokument beantwortet diese Fragen nicht, und der Titel kündigt kein bestimmtes Ereignis an. Wir können eine einer Öffnung zugewandte Figur erkennen, ohne ihr ein sicheres Warten oder eine sichere Melancholie zuzuschreiben. Diese Zurückhaltung gibt der Haltung ihre Kraft. Die dargestellte Person bewahrt etwas Unzugängliches, das die Nähe ihres Körpers allein nicht aufheben kann.

Sitz und Kissen schaffen einen Raum der Bequemlichkeit, spielen aber auch in der Komposition eine Rolle. Ihre Volumen stützen die Figur und verlängern die Richtungen der Kleidung. Die Ausstattung ist keine Liste von Accessoires, die nach dem Thema hinzugefügt wurden. Sie macht die Haltung lesbar. Ein Blick, der sich nur auf den Kopf konzentriert, würde dieses Netz aus Stützen, Rundungen und Flächen übersehen, durch das das Ganze den Eindruck eines an seinem Platz befindlichen und dennoch beweglichen Körpers vermittelt.

Das Museum zeigte dieses Blatt in mehreren Ausstellungen zur Lithografie und zur britischen Kunst. Es lässt sich daher aus zwei ergänzenden Geschichten betrachten: der Geschichte der Bilder eines in England ansässigen Schweizer Künstlers und der eines Druckverfahrens. Diese Rahmen dürfen die Beobachtung nicht ersetzen. Sie bereichern sie, indem sie daran erinnern, dass die Besonderheit einer Haltung durch eine Technik, eine Ausgabe und die Erhaltung eines bestimmten Exemplars zu uns gelangen kann.

Am Ende bleibt das Gesicht abgewandt und der Arm zum Fenster geöffnet. Der Blick von aussen erhält keine zusätzliche Enthüllung. Er hat jedoch ein Bild durchwandert, in dem sich die Aufmerksamkeit auf Haut, Haar, Muster und Falten verteilt. Füssli gelingt es, Präsenz zu schaffen, ohne die übliche frontale Begegnung des Porträts zu verlangen. Die Szene hält uns weiterhin an dem Platz, den sie uns zugestanden hat: sehr nah an der Figur, aber hinter ihr, an der Schwelle dessen, was sie sieht.